{"id":1524,"date":"2021-06-06T18:27:37","date_gmt":"2021-06-06T16:27:37","guid":{"rendered":"https:\/\/bis-art.com\/?page_id=1524"},"modified":"2021-08-14T17:12:40","modified_gmt":"2021-08-14T15:12:40","slug":"parcours-bis","status":"publish","type":"page","link":"https:\/\/bis-art.com\/index.php\/parcours-bis\/","title":{"rendered":"Parcours BIS"},"content":{"rendered":"\n
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Le Parcours dans le village de Saint-Paul de Vence<\/h2>\n

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Le d\u00e9pliant Plan-Guide de l’exposition est disponible \u00e0 l’Office de Tourisme de Saint-Paul de Vence<\/a><\/span><\/p>\n

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ME\u0301DIATION ARTISTIQUE<\/span><\/strong><\/p>\n

Tout au long de l\u2019e\u0301te\u0301, du lundi au samedi, de 14h30 \u00e0 18h30, retrouvez les me\u0301diateurs artistiques de B.I.S dans les rues du village.
> Pour en savoir plus\u00a0<\/a><\/span><\/strong><\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Aur\u00e9lie P\u00e9trel<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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Tokyo Bay, 2011<\/strong>
La pratique photographique d\u2019Aur\u00e9lie P\u00e9trel interroge le statut de l\u2019image, son utilisation ainsi que les m\u00e9canismes de sa production. Ancr\u00e9es dans la dur\u00e9e, ses recherches visent \u00e0 ramener la
prise de vue au centre de la r\u00e9flexion multisensorielle \u00e0 l\u2019aide de dispositifs spatiaux. L\u2019artiste interroge la mutation- mutabilit\u00e9 d\u2019une image, son potentiel de fractalisation dans ce qu\u2019elle peut provoquer comme trouble en son exp\u00e9rience de pluriperception.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Awena Cozannet<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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Ce qui nous rassemble, 2019<\/strong>
Cinq formes min\u00e9rales et organiques composent un paysage, lac en absence et monumentalit\u00e9 de la montagne. Ce qui nous rassemble <\/em>invite \u00e0 r\u00e9fl\u00e9chir \u00e0 notre histoire commune, \u00e0 ce qui nous lie et nous structure. Elle interroge la notion de fronti\u00e8re physique et la notion d\u2019\u00e9cart entre soi et l\u2019autre, ce qui
d\u00e9finit notre identit\u00e9. Elle questionne l\u2019urgence du d\u00e9placement et la n\u00e9cessit\u00e9 du mouvement \u00e0 l\u2019aune de l\u2019actualit\u00e9 migratoire et climatique.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Stefan RInck<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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Mistral Boys, 2021<\/strong>
Les figures de pierre de Stefan Rinck composent une population bigarr\u00e9e
et comique, d\u2019animaux pour la plupart, chim\u00e8res ou monstres, costum\u00e9s, masqu\u00e9s et dot\u00e9s d\u2019attributs. Cette assembl\u00e9e discordante de non-humains provient d\u2019un imaginaire archa\u00efque, tiss\u00e9 de mythes et de l\u00e9gendes. De ces figures grotesques l\u2019on reconna\u00eet le comique vitaliste, typique du r\u00e9alisme m\u00e9di\u00e9val, qui s\u2019exprimait lors de
f\u00eates religieuses et populaires.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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St\u00e9phane Guiran<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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M\u00e9moires d\u2019ormes, 2021<\/strong>
Les sculptures de l\u2019artiste, souvent faites \u00e0 partir de cristaux et de min\u00e9raux, jouent sur la force contenue dans
la fragilit\u00e9. Elles mettent en regard
les mat\u00e9riaux cr\u00e9\u00e9s par la nature et ceux faits par l\u2019homme, en particulier \u00e0 travers son travail sur la m\u00e9moire industrielle des r\u00e9sidus de cristalleries. De ce dialogue entre la nature et nos productions industrielles nait une po\u00e9sie de la transformation comme un nouveau langage \u00e0 explorer.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Florian Pugnaire &
David Raffini<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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L\u2019Onde, 2017<\/strong>
Le duo d\u2019artistes est marqu\u00e9 par
la probl\u00e9matique de la sculpture comme \u00abwork event\u00bb et \u00e9galement par un penchant pour l\u2019avenir des objets industriels. L\u2019Onde <\/em>\u00e9voque le retentissement d\u2019une onde de choc.
La premi\u00e8re t\u00f4le arbore en son centre un impact produisant une violente d\u00e9formation de la mati\u00e8re.
Il ne s\u2019agit pas simplement d\u2019une image arr\u00eat\u00e9e, mais bien de la repr\u00e9sentation d\u2019une p\u00e9riode dans l\u2019espace.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Pierre-Alexandre Savriacouty<\/span><\/h3><\/div>
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O-3, 2021<\/strong>
Au d\u00e9but du XVIe si\u00e8cle des ouvertures
sur la fa\u00e7ade de l\u2019\u00e9glise de Saint-Paul
e de Vence furent construites. Au XVIII ,
ces m\u00eames voies furent referm\u00e9es. Pens\u00e9 comme un don au village, l\u2019artiste a dupliqu\u00e9 cette ancienne porte et propose une r\u00e9ouverture de ce passage. Explorant le potentiel de cet espace temporel, il fait appel aux propri\u00e9t\u00e9s de la mati\u00e8re \u00e0 pouvoir se r\u00e9g\u00e9n\u00e9rer, survivre et d\u00e9velopper des formes instinctives et imm\u00e9moriales.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Kevin Rouillard<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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Jaune 2021, 2021<\/strong>
La pratique de Kevin Rouillard
est inscrite dans un processus de pr\u00e9l\u00e8vement et de r\u00e9cup\u00e9ration, qui questionne d\u2019une part le contexte d\u2019\u00e9mergence des formes qu\u2019il
r\u00e9cup\u00e8re, et d\u2019autre part les conditions d\u2019apparition des \u0153uvres qu\u2019il cr\u00e9e.
Ses grands assemblages de panneaux m\u00e9talliques, carcasses de bidons br\u00fbl\u00e9s et d\u00e9pli\u00e9s, sont pour lui une mani\u00e8re d\u2019\u00e9voquer le monde ouvrier et la circulation des biens \u00e0 travers le monde.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Kokou Ferdinand Makouvia<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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Akossiwa,
le temps d\u2019une routine, 2017<\/strong>
L\u2019artiste s\u2019enquiert inlassablement
de toute la mati\u00e8re qui compose l\u2019existant. D\u00e8s lors, il se conditionne
\u00e0 une collaboration \u00e9troite avec la mati\u00e8re dans tous ses \u00e9tats : il fait de son \u00e9nergie une \u00e2me s\u0153ur dans le dialogue, il se confronte \u00e0 sa substance incarn\u00e9e comme une r\u00e9alit\u00e9 persistante avec laquelle il est vital d\u2019apprendre \u00e0 composer, il l\u2019utilise comme un m\u00e9dium pour communiquer avec l\u2019invisible.e.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Martine Feipel &
Jean Bechameil<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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Moon in the Tree, 2018<\/strong>
En partant d\u2019objets courants et communs \u00e0 chacun, les artistes nous entrainent dans un univers bancal o\u00f9 tout semble en suspend dans une \u00e9trange intemporalit\u00e9. Les objets sont d\u00e9tourn\u00e9s de leurs usages et de leur sens pour proposer des situations d\u00e9cal\u00e9es, mais fond\u00e9es sur la modification de leur mat\u00e9rialit\u00e9 et de leur forme. D\u00e8s lors, ils sont comme des \u00e9l\u00e9ments de m\u00e9moire tangible d\u2019o\u00f9 s\u2019\u00e9chappent tout contr\u00f4le.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Charlotte vander Borght<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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Mass V, 2020<\/strong>
Les sculptures issues de la s\u00e9rie MASS <\/em>sont toutes r\u00e9alis\u00e9es \u00e0 partir de panneaux de dibond produits dans les ann\u00e9es 70, r\u00e9cup\u00e9r\u00e9s d\u2019une fa\u00e7ade d\u2019un immeuble moderniste parisien. Initialement industriels, Charlotte vander Borght les a refa\u00e7onn\u00e9s, r\u00e9imagin\u00e9s et peints afin d\u2019invoquer leur charge \u00e9motionnelle comme d\u2019une m\u00e9moire affective et collective ancr\u00e9e dans la mati\u00e8re, oscillant
entre abstraction et figuration.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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\u00c9lodie Seguin<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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Unit\u00e9 de lieu, 2021<\/strong>
A quelques m\u00e8tres d\u2019un cimeti\u00e8re,
Unit\u00e9 de lieu <\/em>trouve sa finalit\u00e9 en prenant la forme d\u2019un volume transparent en plexiglass aux dimensions d\u2019un corps, enterr\u00e9 devant un olivier, entre le paysage et le chemin de ronde de la
ville. La fusion de ce mat\u00e9riau artificiel
et du sol terreux signe le vocabulaire d\u2019Elodie Seguin comme une id\u00e9e, comme un non-objet en r\u00e9ponse \u00e0 l\u2019existant.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Linda Sanchez<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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L\u2019autre, 2017<\/strong>
L\u2019autre <\/em>interroge non seulement la construction et le paysage mais aussi l\u2019architecture du geste. Suivant une partition de gestes, tel un script,
neuf colonnes sont construites par strates. Motifs color\u00e9s, quantit\u00e9 de mat\u00e9riau, pente, mais aussi inclusions, lignes de fracture, points de fragilit\u00e9s sont reproduits \u00e0 l\u2019identique. En cons\u00e9quence, pouss\u00e9es au sol, les neuf colonnes se cassent et s\u2019\u00e9rodent aussi de la m\u00eame mani\u00e8re.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Scenocosme : Gr\u00e9gory Lasserre & Ana\u00efs met den Ancxt<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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Phonofolium, 2011<\/strong>
N\u00e9e d\u2019une hybridation entre v\u00e9g\u00e9tal et technologie num\u00e9rique, Phonofolium
<\/em>est une \u0153uvre interactive pr\u00e9sentant un arbuste qui r\u00e9agit au moindre contact \u00e9lectrostatique humain par des sonorit\u00e9s. Lorsqu\u2019une personne caresse l\u2019arbuste, celui-ci se met \u00e0 chanter en fonction de la proximit\u00e9 du contact. Cette \u0153uvre propose une exp\u00e9rience sensorielle qui questionne nos relations \u00e9nerg\u00e9tiques invisibles avec les \u00eatres-vivants.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Delphine Wibaux<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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T\u00e9moin souple, cimes, 2021<\/strong>
Delphine Wibaux met au point ce qu\u2019elle nomme des \u00abcaptations\u00bb en utilisant diff\u00e9rents m\u00e9diums. Attentive aux signaux faibles, elle cherche
de mani\u00e8re sensible \u00e0 redonner du
sens et de la perception \u00e0 l\u2019\u00e9gard du vivant. D\u00e9pos\u00e9e sur les graviers, cette sculpture dialogue avec deux arbres gardiens – rhizomes de ce jardinage in\u00e9dit. L\u2019image r\u00e9v\u00e8le la cime d\u2019un arbre ou de racines, en intime relation avec les fossiles pr\u00e9sents au sein du calcaire.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Gonzalo Lebrija<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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Cubo Torcido, 2017<\/strong>
Gonzalo Lebrija est co-fondateur
et directeur de OPA \u2013 Oficina para Proyectos de Arte \u2013 un lieu d\u2019exposition \u00e0 Guadalajara, l\u2019un des plus importants en Am\u00e9rique Centrale.
L\u2019artiste explore dans son \u0153uvre les notions de temps, de libert\u00e9, de jeu
et leur relation au pouvoir. Cubo Torcido <\/em>est une \u0153uvre qui synth\u00e9tise, dans un dessin bidimensionnel, une transformation suppos\u00e9e du temps
et de l\u2019espace par un geste subtil.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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St\u00e9phane Guiran<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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Le r\u00eave des neiges \u00e9ternelles II, 2021<\/strong>
Les sculptures de l\u2019artiste, souvent faites \u00e0 partir de cristaux et de min\u00e9raux, jouent sur la force contenue dans
la fragilit\u00e9. Elles mettent en regard
les mat\u00e9riaux cr\u00e9\u00e9s par la nature et ceux faits par l\u2019homme, en particulier \u00e0 travers son travail sur la m\u00e9moire industrielle des r\u00e9sidus de cristalleries. De ce dialogue entre la nature et nos productions industrielles nait une po\u00e9sie de la transformation comme un nouveau langage \u00e0 explorer.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Charles Le Hyaric<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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La n\u00e9buleuse des dryades, 2021<\/strong>
Nich\u00e9e au creux des arbres,
La n\u00e9buleuse des dryades <\/em>s\u2019int\u00e8gre
au lieu qu\u2019elle investit. R\u00e9alis\u00e9e principalement en filasse, sa forme \u00e9voque tout aussi bien une cr\u00e9ature onirique, une b\u00eate ou une carcasse archa\u00efque aux origines ind\u00e9finissables. Le spectateur peut s\u2019approcher de l\u2019\u0153uvre, y passer la t\u00eate et d\u00e9couvrir un tout autre univers: un monde organique, biologique, cellulaire, rendu possible gr\u00e2ce \u00e0 la lumi\u00e8re ondulante.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Juliette Minchin<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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Omphalos, 2020<\/strong>
Omphalos <\/em>appara\u00eet comme une architecture sacr\u00e9e, un sanctuaire imaginaire. L\u2019oeuvre s\u2019inspire des traditions qui c\u00e9l\u00e8brent le passage
du temps au moyen de la cire. Elle emprunte son imaginaire \u00e0 l\u2019architecture des mausol\u00e9es. En r\u00e9f\u00e9rence aux bandelettes de laine qui prot\u00e9geaient l\u2019Omphalos <\/em>dans l\u2019Antiquit\u00e9 grecque, Juliette Minchin enveloppe partiellement la structure de grands lambeaux de cire.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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Quentin Lefranc<\/span><\/a><\/h3><\/div>
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Action Office, 2021<\/strong>
Con\u00e7ue comme un lieu d\u2019\u00e9tude, l\u2019architecture sert de cadre, de territoire, de terrain de jeu pour les propositions de Quentin Lefranc. Plac\u00e9es \u00e0 la confluence de plusieurs pratiques,
ses pi\u00e8ces fonctionnent comme des parenth\u00e8ses ouvertes dans l\u2019espace. Action Office a \u00e9t\u00e9 r\u00e9alis\u00e9e \u00e0 la suite d\u2019une r\u00e9sidence avec l\u2019entreprise LSB
la salle blanche qui con\u00e7oit et am\u00e9nage des espaces de soins aseptiques
pour les milieux hospitaliers.<\/p><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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> Les artistes et les oeuvres<\/span><\/a><\/p>\n\n\n

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Le Parcours dans le village de Saint-Paul de Vence Le d\u00e9pliant Plan-Guide de l’exposition est disponible \u00e0 l’Office de Tourisme de Saint-Paul de Vence \u00a0 ME\u0301DIATION ARTISTIQUE Tout au long de l\u2019e\u0301te\u0301, du lundi au samedi, de 14h30 \u00e0 18h30, retrouvez les me\u0301diateurs artistiques de B.I.S dans les rues du village.> Pour en savoir plus\u00a0 …<\/p>\n

Parcours BIS<\/span> Lire la suite \u00bb<\/a><\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":0,"parent":0,"menu_order":0,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","template":"","meta":{"site-sidebar-layout":"default","site-content-layout":"default","ast-global-header-display":"","ast-main-header-display":"","ast-hfb-above-header-display":"","ast-hfb-below-header-display":"","ast-hfb-mobile-header-display":"","site-post-title":"disabled","ast-breadcrumbs-content":"","ast-featured-img":"","footer-sml-layout":"","theme-transparent-header-meta":"default","adv-header-id-meta":"","stick-header-meta":"default","header-above-stick-meta":"","header-main-stick-meta":"","header-below-stick-meta":""},"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/bis-art.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/1524"}],"collection":[{"href":"https:\/\/bis-art.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/pages"}],"about":[{"href":"https:\/\/bis-art.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/types\/page"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/bis-art.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/users\/1"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/bis-art.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=1524"}],"version-history":[{"count":30,"href":"https:\/\/bis-art.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/1524\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":2582,"href":"https:\/\/bis-art.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/1524\/revisions\/2582"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/bis-art.com\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=1524"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}